LITOGRAFÍA

Cada una de las formas en que el hombre ha intentado plasmar sus inquietudes e ideas han permitido generar nuevas formas, en algún momento lo hizo sobre pieles, pero la forma permite que tenga un alcance diferente, para la litografía es entendida como el procedimiento de impresión mediante el cual se realiza sobre una piedra de cal con tinta especial o un lápiz graso. Entendiendo un poco sobre el término litografía proviene del griego “lithos” piedra y “grafía” dibujo.

La impresión se basa en la repulsión entre sustancias grasas o resinosas y el agua y en la propiedad que tiene la piedra de retener en cambio tales sustancias grasas. Tras obtener el dibujo sobre la piedra, se humedece con una esponja la superficie de la piedra y posteriormente se pasa por ella una rodilla de entintar. La diferencia que tiene con respecto a la Xilografía es que no es un sistema de grabado propiamente dicho ya que no se incide sobre la superficie de la matriz como herramienta ni con ningún corrosivo.

La litografía es un procedimiento de estampación planográfico las características de la piedra de cal debe ser lo suficiente mente porosa para absorber el agua y a su vez tener una granulosidad muy fina para retener la grasa; el grosor mínimo debe de ser de un centímetro para soportar la presión de la prensa, se idearon nuevas formas para realizar el mismo trabajo y aunque el zinc es una herramienta que también permite la impresión la calidad del trabajo es diferente, pero la facilidad de su utilidad permite que se tenga un mejor forma de almacenamiento.

Las fases de impresión litográfica consisten principalmente en 4 pasos.

Antes de realizar el procedimiento se debe de preparar la piedra que significa eliminar cualquier dibujo anterior sobre ella y dar una textura adecuada para plasmar la imagen deseada y se puede realizar mediante la frotación de dos piedras parecidas haciendo movimientos en forma de S finamente y además uniforme, finalmente aplicar un grano adecuado para que pueda admitir la nueva imagen. Después la primera fase trazar el dibujo con el buril o lápiz litográfico sobre la piedra. Paso dos se cubre la piedra con acido nítrico y goma arábiga, que es rechazada por las partes dibujadas, paso tres se entinta la piedra solo sobre las partes dibujadas que se impregnan con la tinta y por último se obtiene la litografía al presionar la hoja de papel sobre la superficie.


En la actualidad la función de la superficie de impresión caliza original corresponde hoy a unas finas planchas de aluminio, aunque también se utilizan otros materiales como acero inoxidable y plásticos. Las planchas se enrollan sobre un cilindro y entran en contacto directo con el cilindro de caucho. Una batería de rodillos de goma y metálicos se encarga de llevar la tinta y el agua a la superficie de la plancha. La tinta pasa en primer lugar al cilindro de caucho y de ahí al papel.

Las planchas litográficas constituyen las superficies de impresión más económicas en la actualidad, lo cual ha contribuido enormemente al éxito del proceso. Las planchas de aluminio llevan un fino recubrimiento de material fotosensible, como los fotopolímeros, que experimenta un cambio de solubilidad al quedar expuesto a una fuente intensa de luz azul y ultravioleta. Las imágenes se transfieren a la superficie cuando se expone la plancha a través de un positivo o un negativo de película. Ciertas sustancias se pueden exponer directamente, mediante una cámara de artes gráficas o un rayo láser controlado por computadora, y se elimina por tanto el coste de la película y se acelera el proceso de confección de las planchas. El tamaño de las prensas modernas de offset va desde los duplicadores pequeños alimentados por hojas en trabajos pequeños y hasta las enormes prensas capaces de imprimir millones de ejemplares de revistas, catálogos y productos de embalaje.



REFERENCIAS

http://www.artemiranda.com/tutoriales/tut_litografia.htm
http://www.oya-es.net/reportajes/litografia.htm
http://lacuevadelturko.blogspot.com/2008/09/mc-escher-3-litografias.html

TÉCNICAS DE IMPRESION

Se puede entender que la impresión es un proceso mediante el cual se puede plasmar una idea que generalmente se pretende mostrar a los demás. Podemos percibirla en diversas fuentes como anuncios, periódicos, etc. Para su reproducción pueden utilizarse diversas técnicas que permitirán plasmar los textos o ideas de un diseñador, tales como: la imprenta, litografía, flexografía, grabado y serigrafía. Cada una de ellas tiene mecanismos como la aplicación de colorantes a un soporte, que puede ser de papel o plástico.

Desde que el hombre invento la impresión en cualquier tipo de superficie se han tenido avances considerablemente pero fue en el año de 1960 cuando ha permitido una evolución considerablemente notable, ya que los avances en la fotografía y electrónica han tenido un progreso considerable. Se han tomado en cuenta desde los materiales sensibles a la luz (fotografía) hasta los que permiten una impresión desde aquellos que se utilizan en las grandes empresas hasta los rayos laser que se utilizan en una impresora, quien puede creer que antiguamente se tenían que esperar hasta días para recibir una impresión fotográfica y actualmente puede tardar minutos e incluso se pueden almacenar en las computadoras, todos esos avances científicos han hecho posible que la impresión resulte más fácil de lo que parece.

Una impresión se puede realizar a una sola tinta como lo puede realizar un periódico hasta utilizar una separación de colores basada en cuatro tintas transparentes que se van superponiendo en diferentes proporciones como en el caso de una fotografía de alta calidad.

Las prensas de impresión transfieren la tinta de un cilindro a hojas o rollos en movimiento, éstas imprimen de 600 – 900 metros por minuto, las que imprimen en hojas sueltas es mas lento el proceso, obviamente son utilizadas diversas tenicas y soportes de impresión pero es importante tener un control sobre viscosidad, tiro y color, además tinta espesor, porosidad, encolado y los tipos de papeles, también la densidad, el registro, trapping, entre otros.

El proceso de impresión, se basa en la obtención de las páginas o pliegos impresos, según la maqueta. Para ello se puede utilizar alguno de los siguientes sistemas de impresión:

- Sistema de Impresión Offset: son máquinas de pliegos o rotativas con uno o más colores y que utilizan planchas preparadas.
- Sistema de Impresión por Huecográfica en rotativas utilizando cilindros grabados.
- Sistema de Impresión flexográfica en rotativas o en máquinas de pliegos para el cartón por medio de clichés de fotopolímero en diversos soportes: papel, cartón, plástico, etc.
- Impresión por serigrafía: este sistema se realiza a a través de unas pantallas de tela sobre diversos soportes.
- Impresión digital con una forma impresora variable sobre papel.

REFERENCIAS
http://www.fotonostra.com/grafico/impresiongrafica.htm
http://www.atikoestudio.com/disenador/grafico/impresion/index.htm
http://angelicafrancotecnicas.blogspot.com/

TECNICA DE LA COMPOSICION

Para el diseño grafico es importante tomar en cuenta diversas técnicas que permitan que los trabajos realizados de verdad proyecten los objetivos de manera adecuada y con ello obtener los resultados deseados. Una de las técnicas utilizadas es la técnica de la composición esta trata de atraer la atención del consumidor, también es definida como una forma de distribución y disposición de todos los elementos que le componen dentro del diseño de una forma equilibrada y perfecta.

Los elementos que componen un trabajo de diseño deben aparecer distribuidos correctamente para cumplir con su función, los elementos pueden ser: imágenes, espacios en blanco, tipografías, etcétera. Estos a su vez estarán determinados por su tamaño, la posición, color, forma, etc. Se puede considera a la composición como la ordenación de todos los elementos que son necesarios para impactar al público, según las especificaciones nada garantiza el grado de impacto que puede generar una adecuada composición pero existen pautas que puede ayudar a mejorar dichos trabajos.

Es claro que los sentidos son importantes para que el ser humano capte diversos mensajes y como primer punto se puede notar lo que sucede con el contacto visual, lo cual nuestro sentido capta y el cerebro de codifica todas las señales para lograr su definición estos son considerados componentes psicosomáticos, los que influyen en la interpretación mediante estímulos como el color en el significado que se le da a diversas culturas se está atendiendo a los componentes culturales y por último las experiencias compartidas que son todas aquellas que son conceptos altamente arraigados en los receptores por el hecho de ser humanos como la hierba/ verde, azul/ cielo, etc. Todos esos factores proporcionan orientación que puede llegar a afectar la percepción e interpretación final.

También es básico que exista un equilibrio visual en lo realizado, existen dos tipos de equilibrio el formal que se basa en la bisimetria, suele estar ubicado por encima del centro geométrico, en el que se puede reflejar estabilidad, calma y estatismo reflejando armonía en el. El equilibrio informal es contrario al anterior, está cargado de fuerza gráfica y dinamismo, prescinde de simetría y equilibrio.

La tensión puede considerarse como lo opuesto al equilibrio, cosntituye la fuerza de un diseño y es lo que consigue inferir movimiento y dinamismo a una composición existen diferentes técnicas para generar tensión pero las principales con la sugestiva que consiste en dirigir la atención a un punto determinado, la rítmica que es la secuencia de elementos, que se tienden a agrupar formas semejantes para lograr una sincronía entre ellas.


REFERENCIAS
http://www.fotonostra.com/grafico/tecnicascompos.htm
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1277.php
http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/composicion_ubicacion/index2.htm

SEMIÓTICA

Cada uno de los seres humanos nos cuestionamos de diversas maneras y tratamos de dar respuesta a nuestros grandes cuestionamientos, utilizamos diversos símbolos que permiten tener comunicación y todo lo que se nos presente lo estudiamos. Inventamos nombres, incluso también materias que nos permitirán realizar esos estudios, una de ellas es la semiótica que se remite al complejo fenómeno de la significación de las situaciones significantes, cada autor ha brindado su aportación sobre el termino, algunos de los autores son: Pierre (Collected Papers) semiótica es “la doctrina de la naturaleza esencial de las variedades fundamentales de toda posible semiosis”; para De Saussure (Curso), se trata de “una ciencia que estudie la vida de los signos en el seno de la vida social” a la que propone que se dé el nombre de “semiología”. Para Erik Buyssens (La comunicación et l´articulación linguistique), pero todos ellos se enfocan al estudio de los procesos de comunicación; lo cual señala que se vislumbran todos aquellos signos sean escritos o envueltos dentro de la naturaleza que son capaces de transmitir un mensaje, además de cómo éste es percibido.

Cabe mencionar que la semiótica también es conocida como semiología pero expresado de una u otra forma sin duda alguna la finalidad es saber, claro está que es identificar los distintos tipos de signos y analizar la funcionalidad que éstos puedan tener en diferentes niveles. Toda la materia su finalidad principal es analizar los sistemas de signos desarrollados si nosotros analizamos con detalle a nuestro alrededor están toda clase de signos que intentan comunicarse con nosotros para beneficio propio por su parte la materia de la semiótica es la encargada de todos los signos, sistemas sígnicos, acontecimientos sígnicos, los procesos comunicativos, funcionamientos lingüísticos y todo lo que emita una transmisión de mensaje. El campo de trabajo de esta materia es amplio se puede ocupar de varias cosas como el teatro, cine, moda, señales de tránsito, publicidad, etc.

El campo de estudio de la semiótica no se limita solo con el estudio de los signos si no de las relaciones que tienen los significados y de esta forma adopta el nombre de semántica, que es el estudio del significado de las palabras; la relación entre significantes y usuario se le denomina pragmática que es la relación entre los seres humanos y por último la sintaxis que es la parte que estudia la relación entre los significantes. Es obvio que siempre buscamos la manera de analizar las cosas y de estudiarlas, pero sin duda alguna todos desde pequeños buscamos respuestas a los diversos señalamientos que percibimos. Después de todo en el campo del diseño es el manejo de diversos signos que harán ya sea que un comprador o el público en general capte los mensajes que son necesarios que entiendan para ello el analizar la función de la semiótica es algo que se debe entender para poder aplicar ese conocimiento en la creación de un material que permita al receptor captar las señales.

REFERENCIAS
http://www.tuobra.unam.mx/publicadas/030614003225.html
http://www.astraph.com/udl/biblioteca/antologias/semiotica.pdf
www.archivo-semiotica.com.ar/SobreSemiotica.html

LA TEXTURA COMO FORMATO BÁSICO

La textura es un elemento tan rutinario que simplemente a veces pasa desapercibido para cada uno de nosotros pero también hay que reconocer que es importante, esta nos motiva a apreciar las cosas de cierta manera, tomando en cuenta que la textura es un elemento que enriquece la expresividad. Naturalmente la textura se encuentra por todos lados y la podemos percibir de diferentes formas mediante nuestros sentidos y cada expresión nos hace que tengamos diferentes reacciones.

La textura se encuentra de forma natural, esto quiere decir que se encuentra expresado por la naturaleza cada materia puede tener una textura rugosa, lisa, grotesca, fina, etc. Las texturas naturales las podemos encontrar en cualquier lugar, objeto o sujeto, como por ejemplo la textura de una corteza del árbol o la textura de las alas de una mariposa, entre otros. Por otro lado tenemos las texturas artificiales que son las que genera el hombre a través de su propia mano, como la textura de una pintura, un utensilio de cocina o todos los objetos que han sido creados por él. Para el diseño grafico la textura es el tercer elemento que aporta algo al diseño gráfico, la textura independientemente de que ayuda al diseño también es un elemento que ayuda a crear un humor o una disposición en el individuo, con ella se pueden crear adaptaciones para personalizar trabajos y con ellas crear una dimensión y riqueza a los trabajos.

Las texturas provocan reacciones en el ser humano hasta llegar al rechazo o aceptación según las características, por ejemplo una textura lisa y uniforme provoca una sensación estética, una rugosa y de diferentes colores produce mayor efecto de movimiento visual. También las táctiles son importantes, cada textura sea el medio por el cual las reconozcamos sin duda alguna provoca sensaciones distintas como: repulsión, agrado, frágil, pesado, frio, interesante, desagradable, etc. Para todo autor es importante que maneje adecuadamente este elemento porque dependerá que el receptor capte lo que en realidad quiera transmitir el autor.

Sin embargo para el diseño no solo debe importar el tipo de texturas para mejorar su aspecto y aceptación o el hecho de despertar todas las sensaciones que se tienen con cierta finalidad, sino también de que sea funcional, la estética fue importante pero todo buen diseñador debe de tomar en cuenta ambas características. La función práctica de la textura debe poseer un efecto expresivo ya que deben de ponerse con cuidado y deliberadamente pensadas para conseguir resaltar la forma de las texturas con el efecto expresivo necesario para llamar la atención. Dentro de los tipos de texturas que se utilizan son la táctil que corresponda a una superficie con relieve o rugosa, fina o suave, todas ellas se pueden apreciar por medio del contacto con la piel, otra es la visual, son las que se encuentran impresas deben darle cierto parecido a la realidad o inventadas. Además de la textura de patrón o mosaico que pertenece a la visual pero está compuesto por figuras o líneas que hacen posible apreciar un tipo de textura visual tal y como sucede con los papeles que repiten una y otra ces la marca o logo de una empresa y ellos a su vez se pueden hacer fondos.

REFERENCIAS

http://educacionplasticayvisual.wikispaces.com/Elementos+configurativos+de+los+lenguajes+visuales
http://www.fotonostra.com/grafico/texturas.htm
http://www.buenastareas.com/ensayos/Textura-Tactil-Diseno-Grafico/294958.html

FAMILIAS TIPOGRÁFICAS

Las causas que originaron invención de la escritura fueron principalmente la necesidad de comunicar a los demás sus pensamientos, su historia incluso sus costumbres, posteriormente se ha comprendido que las formas que tiene una letra hace que el publico fije su atención en ésta o simplemente se vuelva invisible. Varios autores han intentado hacer una clasificación de estos símbolos tipográficos agrupándolos en familias, según la clasificación de Luciano Moreno dice que las familias tipográficas son signos escriturales parecidos entre sí pero también éstos tienen rasgos propios.

Su creación ha derivado de hace muchos años, sin embargo otras se han generado recientemente con la explosión creativa de la aplicación de la imprenta y el diseño gráfico digital. Pero la forma en que se agruparon fueron realizadas por la fecha de creación, su origen o sus características morfológicas.

Las familias en que se dividen son: humanas, garaldas, reales, dionas, mecanos, lineales, incisas, scriptas y manuales. La clasificación de Robert Bringhurst son: renacentistas, barrocas, neoclásicas, romanticas, realistas, modernistas geométricas, modernistas líricas y posmodernistas. Según la clasificación de VOX que se da en los remates como Garalda, Real, Didona, Mecano, Palo Seco e Incisa. Otra clasificación es la ATypI que es el resultado de la anterior que se basa en la agrupación de fuentes mediante sus características comunes y es la siguiente Romanas, Palo Seco, Rotuladas y Decorativas.

Las letras romanas están influenciadas de la escritura manual, donde se trataba de resaltar los pies de las letras que se tallaban para evitar que la piedra saltasen los ángulos, además de que tiene una gran armonía en sus proporciones, presentan fuertes contrastes en los elementos rectos y curvos, los remates proporcionan un alto grado de legibilidad, éstas a su vez se encuentran divididas en: Antiguas también llamadas Garaldas, de Transicion, Modernas, Mecanos e Incisas.

Las de Palo Seco que se caracterizan por los reducidos en los caracteres en su esquema esencial, las mayúsculas se vuelven a las formas fenicias y griegas, pero las minúsculas están conformadas por líneas rectas y círculos unidos, reflejando la época en que nace la industrialización y funcionalismos, a su vez se subdividen en: Lineales sin modulación y grotescas.

Las Rotuladas advierten el instrumento y la mano que los creó, así como la tradición caligráfica o cursiva en la que inspiró el creador, también se subdividen en: Caligráficas, Góticas y Cursivas informales.

Por último se encuentran las decorativas que no fueron concebidas como tipos de textos, sino para un uso esporádico y aislado, hay varias dentro de esta pero las que más se pueden distinguir son la de Fantasía y Época.

REFERENCIAS
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1626.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Clasificaci%C3%B3n_tipogr%C3%A1fica
http://www.imageandart.com/tutoriales/tipografia/familias_tipograficas_1.htm
http://www.imageandart.com/tutoriales/tipografia/familias_tipograficas_2.htm

LA SATURACION E INTENSIDAD

La Croma representa la pureza o intensidad de un color particular, la viveza o palidez del mismo, y puede relacionarse con el ancho de banda de la luz que estamos visualizando. Los colores puros están completamente saturados. Un color intenso es muy vivo. Cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo.

También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos "saturado" es. Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro automáticamente baja su saturación. La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su opuesto (llamado complementario) en el círculo cromático. Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un gris de blanco y negro de su mismo valor.

Un color intenso como el azul perderá su saturación a medida que se le añada blanco y se convierta en celeste, otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, ya que produce su neutralización, es la tercera dimensión del color, es la cualidad que diferencia un color intenso de uno pálido y cada uno de los colores primarios tiene su mayor valor de intensidad antes de ser mezclados con otros.

La luminosidad es la cualidad del brillo: luz y oscuridad. Cuanto más delicado sea un contraste dentro de un diseño, más luminosa será su apariencia. La luminosidad depende del contraste, del mismo modo que el lustre y la iridiscencia; sin embargo, este contraste es tan extremo sutil y el resultado es un efecto casi no terrenal.

La saturación de color es una propiedad muy importante y en ocasiones no se valora ni utiliza el poder que tiene. Los colores saturados producen más impacto, cuando se quiere dar un efecto vigoroso y espectacular se buscan los colores más vivos posible.

Existen muchos métodos para lograr esto al margen del procesado posterior de la imagen

• Buscar el ángulo adecuado de la luz, la que mejor funciona es la frontal
• Utilizar un filtro polarizador para eliminar reflejos
• Medir la exposición para el elemento elegido, un tono resultará más apagado si está sub o sobreexpuesto.

La llegada de la fotografía digital ha hecho que la saturación de color pueda modificarse de manera directa y sencilla a posteriori, los programas de manipulación de imagen han hecho que esto sea demasiado fácil, lo que unido a que los colores saturados dan un aspecto vistoso a las imágenes lleva muchas veces a imágenes sobresaturadas al punto de ser irreales. Encontrar el valor justo es complicado, como el punto de sal en las comidas.

También es sencillo aumentar la saturación de color de manera local, seleccionando determinados tonos o zonas de la imagen. Existirán muchas imágenes en las que unas zonas presentan colores más saturados que otras, como puede ser el fondo de un paisaje con un velo de neblina. De nuevo es necesario ser cuidadoso para no invertir esa situación de manera irreal.

Sucede sin embargo que muchas escenas por el contrario son atractivas por sus tonos sutiles y apagados. La preponderancia de tonos apagados crea un ambiente tranquilo y armonioso. A diferencia de los tonos saturados, que compiten entre sí, los apagados forman juegos delicados con diferencias sutiles que son sin embargo captadas por el espectador. Los colores apagados son inherentes a algunos temas -desde viviendas en barrios deteriorados hasta el camuflaje de algunos animales- y en otros el color está modificado por la luz o por situaciones atmosféricas como la niebla.

Al igual que lo dicho antes, la saturación también puede reducirse en el procesado con motivos estéticos para transmitir un determinado ambiente a la fotografía.

REFERENCIAS

http://www.mailxmail.com/curso-teoria-color/saturacion-intensidad-color
http://html.rincondelvago.com/color_5.html
http://www.caborian.com/20100315/lab22-armonia-y-contraste-de-colores-saturacion-de-color/
http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm