ARTES GRÁFICAS O INFOGRAFÍA

Las artes graficas es la elaboración de todo tipo de elementos visuales que se engloban el la elaboración técnicas de dibujo y grabado que se relaciona con la imprenta.

El concepto de artes graficas proviene de la invención de la imprenta en el año de 1450 que consistía en imprimir, encuadernar, acomodar los tipos, terminado, etc. Actualmente la impresión digital ocupa un papel importante dentro de la impresión digital, las artes graficas se emplean como un medio de difusión publicitaria, aplicándose en diversas técnicas en rótulos y carteles, páginas web, envases y cajas, recipientes y botellas e inclusive en etiquetas.

Las artes graficas se pueden dividir en tres sectores:

Pre impresión que se relaciona con el entorno de la informática, sus alcances y los avances, este sector es muy importante. En ella se pueden establecer textos acompañados de imágenes estáticas o dinámicas.

Impresión los equipos de impresión digital, impresión offset en pliego, impresión offset de bobina, impresión flexográfica son algunas de las modalidades que existirán en la primera década del 2000. Desde el punto de vista tecnológico, se puede constatar que las tendencias en el huecograbado y flexografía denotan que el huecograbado sigue ofreciendo una calidad buena y constante, si bien se ve perjudicado por las tiradas cortas y los cambios de diseños que obligan a la confección de cada vez nuevos cilindros. Los incrementos en el costo es alto por los tipos de maquinas pero la flebografía es barata

ElPost-impresión.- La post-impresión se relaciona con el acabado y encuadernación. Los conocimientos clásicos del diseñador gráfico seguirán vigentes en el futuro inmediato. Por ejemplo, la manera de estructurar la información dentro de los libros ha establecido unos patrones de diseño que han sido extrapolados y adaptados primero a los CD-ROM y ahora en las páginas Web


REFERENCIAS
http://chasqui.comunica.org/ficarra68.htm
http://www.google.com.mx/search?hl=es&q=%C2%BFQUE+SON+LAS+ARTES+GRAFICAS&aq=f&aqi=g1&aql=&oq=&gs_rfai=
http://www.previcor-online.es/artes%20graficas.jpg

TRANSFER

La técnica del transfer consiste en estampar o imprimir sobre un papel especial un diseño, el papel es especial ya que tiene ciertos componentes que le permiten ser sensible al calor y la presión, al someterlo a muchos grados de temperatura y grandes cantidades de presiones (plancha) el diseño queda estampado sobre la tela.

Existen diferentes tipos de transfer y uno de ellos es mediante una fotocopiadora el cual no es muy recomendable porque consideran que se puede realizar en cualquier lugar incluso en la casa. La dificultad radica en que las impresoras comunes no tienen tinta de color blanco, por eso se suele utilizar sobre camisetas blancas, la otra dificultad es que lo blanco del papel también se estampa y por lo tanto se soluciona con recortar el papel lo mas posible y para ello se recomiendan los diseños en rectángulo ya que son mas fáciles de recortar a mano. Además de que también la calidad del estampado definitivamente curten en unos pocos lavados y se puede quedar sin estampar esa camiseta o deteriorado el estampado, las ventajas que se tiene es que se puede estampar una camiseta a sin costes fijos e incluso es rápido pero para un profesional no es valido.

El transfer de sublimación es casi igual que lo anterior solo que es mas profesional, ya que el diseño dura mucho más a veces resulta indestructible, tiene las mimas ventajas que el anterior el problema es que solo funciona sobre ciertos tejidos como las camisetas de algodón, los colores suelen salir super saturados, esta técnica suele utilizarse en la fotografía o estampados en otros materiales como una taza.

El transfer serigráfico se combina con la técnica de serigrafía la ventaja es la calidad que es muy buena y muy duradera, los colores son muy puros y quizá la principal ventaja es se puede realizar a ritmo que se desee, también el tamaño de la plancha permite hacer dobles estampados o múltiples estampados, el problema es que este tipo de estampado es de alto costo y casi nadie hace transfer serigráfico en cuatricomía y si alguien lo realiza es demasiado sucio el trabajo.

REFERENCIAS
http://notodovale.wordpress.com/2009/05/07/tecnicas-de-estampacion-de-camisetas-ii-transfer/

en.wikipedia.org/wiki/Transfer
www.compu-venta.com.mx/papel_transfer.htm

http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.waveranchinc.com/transfer.jpg&imgrefurl=http://www.waveranchinc.com/transfer.htm&usg=__P7Ry4GSpO11t6f96ys5k2gYvvMo=&h=368&w=493&sz=120&hl=es&start=1&zoom=1&um=1&itbs=1&tbnid=INwzuPQp1cgzhM:&tbnh=97&tbnw=130&prev=/images%3Fq%3Dtransfer%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26tbs%3Disch:1

SERIGRAFIA

La serigrafía es una técnica de impresión antigua que se trata de transferir una tinta a través de una gasa tensada en un marco, este paso de tinta se queda en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz. Este proceso ha ido evolucionando al paso del tiempo.

La forma en que se realiza es la siguiente:

· La impresión de la tela es mediante la tensión de la misma encima de un soporte para poder imprimir y se hace pasar la tinta, se aplica mediante un rasero que casi siempre es de caucho.

· La malla se une a un marco para mantenerla lo mas tensa posible, el material con que esta hecha la tela se emulsiona con un material fotosensible, al tener contacto con la luz permitirá endurecer las partes libres de la imagen.

· Posteriormente se da un lavado lo cual posibilitará la dilución de la parte no expuesta, dejando esas partes libres en la tela.

· El soporte que tomara la impresión se coloca debajo del marco, dentro del cual se coloca la tinta y se extiende sobre toda la tela por medio de una regla de goma.

· La tinta pasa a través de la malla donde se encuentra la imagen y se deposita en el papel o tela.

· El procedimiento es repetitivo, se quiere decir que puede ser repetida cientos e infinitas veces sin perder la definición original.

La forma en que ha cambiado a permitido que no solo se pueda realizar sobre tela, actualmente su uso a tenido una gran apertura para realizarla, la forma en que se utiliza puede hacer reproducciones de arte y anuncios, también su uso puede hacerse en plásticos, marquesinas, paneles, madera, corcho, calcomanías, etiquetas, cristales, espejos, flocado, cartelería, etc. Vemos que podemos estar mas cerca de la serigrafía de lo que pensamos podemos utilizarla también como decoración, etiquetas en aluminio, producción de circuitos impresos, vehículos y un sinfín de utilidades.

REFERENCIAS

www.sems.udg.mx/principal/planes_de_estudio/.../Serigrafia.pdf -
es.wikipedia.org/wiki/Serigrafía
http://www.andreapacini.com/blog/wp-content/uploads/2008/07/serigrafia-warhol.jpg

LITOGRAFÍA

Cada una de las formas en que el hombre ha intentado plasmar sus inquietudes e ideas han permitido generar nuevas formas, en algún momento lo hizo sobre pieles, pero la forma permite que tenga un alcance diferente, para la litografía es entendida como el procedimiento de impresión mediante el cual se realiza sobre una piedra de cal con tinta especial o un lápiz graso. Entendiendo un poco sobre el término litografía proviene del griego “lithos” piedra y “grafía” dibujo.

La impresión se basa en la repulsión entre sustancias grasas o resinosas y el agua y en la propiedad que tiene la piedra de retener en cambio tales sustancias grasas. Tras obtener el dibujo sobre la piedra, se humedece con una esponja la superficie de la piedra y posteriormente se pasa por ella una rodilla de entintar. La diferencia que tiene con respecto a la Xilografía es que no es un sistema de grabado propiamente dicho ya que no se incide sobre la superficie de la matriz como herramienta ni con ningún corrosivo.

La litografía es un procedimiento de estampación planográfico las características de la piedra de cal debe ser lo suficiente mente porosa para absorber el agua y a su vez tener una granulosidad muy fina para retener la grasa; el grosor mínimo debe de ser de un centímetro para soportar la presión de la prensa, se idearon nuevas formas para realizar el mismo trabajo y aunque el zinc es una herramienta que también permite la impresión la calidad del trabajo es diferente, pero la facilidad de su utilidad permite que se tenga un mejor forma de almacenamiento.

Las fases de impresión litográfica consisten principalmente en 4 pasos.

Antes de realizar el procedimiento se debe de preparar la piedra que significa eliminar cualquier dibujo anterior sobre ella y dar una textura adecuada para plasmar la imagen deseada y se puede realizar mediante la frotación de dos piedras parecidas haciendo movimientos en forma de S finamente y además uniforme, finalmente aplicar un grano adecuado para que pueda admitir la nueva imagen. Después la primera fase trazar el dibujo con el buril o lápiz litográfico sobre la piedra. Paso dos se cubre la piedra con acido nítrico y goma arábiga, que es rechazada por las partes dibujadas, paso tres se entinta la piedra solo sobre las partes dibujadas que se impregnan con la tinta y por último se obtiene la litografía al presionar la hoja de papel sobre la superficie.


En la actualidad la función de la superficie de impresión caliza original corresponde hoy a unas finas planchas de aluminio, aunque también se utilizan otros materiales como acero inoxidable y plásticos. Las planchas se enrollan sobre un cilindro y entran en contacto directo con el cilindro de caucho. Una batería de rodillos de goma y metálicos se encarga de llevar la tinta y el agua a la superficie de la plancha. La tinta pasa en primer lugar al cilindro de caucho y de ahí al papel.

Las planchas litográficas constituyen las superficies de impresión más económicas en la actualidad, lo cual ha contribuido enormemente al éxito del proceso. Las planchas de aluminio llevan un fino recubrimiento de material fotosensible, como los fotopolímeros, que experimenta un cambio de solubilidad al quedar expuesto a una fuente intensa de luz azul y ultravioleta. Las imágenes se transfieren a la superficie cuando se expone la plancha a través de un positivo o un negativo de película. Ciertas sustancias se pueden exponer directamente, mediante una cámara de artes gráficas o un rayo láser controlado por computadora, y se elimina por tanto el coste de la película y se acelera el proceso de confección de las planchas. El tamaño de las prensas modernas de offset va desde los duplicadores pequeños alimentados por hojas en trabajos pequeños y hasta las enormes prensas capaces de imprimir millones de ejemplares de revistas, catálogos y productos de embalaje.



REFERENCIAS

http://www.artemiranda.com/tutoriales/tut_litografia.htm
http://www.oya-es.net/reportajes/litografia.htm
http://lacuevadelturko.blogspot.com/2008/09/mc-escher-3-litografias.html

TÉCNICAS DE IMPRESION

Se puede entender que la impresión es un proceso mediante el cual se puede plasmar una idea que generalmente se pretende mostrar a los demás. Podemos percibirla en diversas fuentes como anuncios, periódicos, etc. Para su reproducción pueden utilizarse diversas técnicas que permitirán plasmar los textos o ideas de un diseñador, tales como: la imprenta, litografía, flexografía, grabado y serigrafía. Cada una de ellas tiene mecanismos como la aplicación de colorantes a un soporte, que puede ser de papel o plástico.

Desde que el hombre invento la impresión en cualquier tipo de superficie se han tenido avances considerablemente pero fue en el año de 1960 cuando ha permitido una evolución considerablemente notable, ya que los avances en la fotografía y electrónica han tenido un progreso considerable. Se han tomado en cuenta desde los materiales sensibles a la luz (fotografía) hasta los que permiten una impresión desde aquellos que se utilizan en las grandes empresas hasta los rayos laser que se utilizan en una impresora, quien puede creer que antiguamente se tenían que esperar hasta días para recibir una impresión fotográfica y actualmente puede tardar minutos e incluso se pueden almacenar en las computadoras, todos esos avances científicos han hecho posible que la impresión resulte más fácil de lo que parece.

Una impresión se puede realizar a una sola tinta como lo puede realizar un periódico hasta utilizar una separación de colores basada en cuatro tintas transparentes que se van superponiendo en diferentes proporciones como en el caso de una fotografía de alta calidad.

Las prensas de impresión transfieren la tinta de un cilindro a hojas o rollos en movimiento, éstas imprimen de 600 – 900 metros por minuto, las que imprimen en hojas sueltas es mas lento el proceso, obviamente son utilizadas diversas tenicas y soportes de impresión pero es importante tener un control sobre viscosidad, tiro y color, además tinta espesor, porosidad, encolado y los tipos de papeles, también la densidad, el registro, trapping, entre otros.

El proceso de impresión, se basa en la obtención de las páginas o pliegos impresos, según la maqueta. Para ello se puede utilizar alguno de los siguientes sistemas de impresión:

- Sistema de Impresión Offset: son máquinas de pliegos o rotativas con uno o más colores y que utilizan planchas preparadas.
- Sistema de Impresión por Huecográfica en rotativas utilizando cilindros grabados.
- Sistema de Impresión flexográfica en rotativas o en máquinas de pliegos para el cartón por medio de clichés de fotopolímero en diversos soportes: papel, cartón, plástico, etc.
- Impresión por serigrafía: este sistema se realiza a a través de unas pantallas de tela sobre diversos soportes.
- Impresión digital con una forma impresora variable sobre papel.

REFERENCIAS
http://www.fotonostra.com/grafico/impresiongrafica.htm
http://www.atikoestudio.com/disenador/grafico/impresion/index.htm
http://angelicafrancotecnicas.blogspot.com/

TECNICA DE LA COMPOSICION

Para el diseño grafico es importante tomar en cuenta diversas técnicas que permitan que los trabajos realizados de verdad proyecten los objetivos de manera adecuada y con ello obtener los resultados deseados. Una de las técnicas utilizadas es la técnica de la composición esta trata de atraer la atención del consumidor, también es definida como una forma de distribución y disposición de todos los elementos que le componen dentro del diseño de una forma equilibrada y perfecta.

Los elementos que componen un trabajo de diseño deben aparecer distribuidos correctamente para cumplir con su función, los elementos pueden ser: imágenes, espacios en blanco, tipografías, etcétera. Estos a su vez estarán determinados por su tamaño, la posición, color, forma, etc. Se puede considera a la composición como la ordenación de todos los elementos que son necesarios para impactar al público, según las especificaciones nada garantiza el grado de impacto que puede generar una adecuada composición pero existen pautas que puede ayudar a mejorar dichos trabajos.

Es claro que los sentidos son importantes para que el ser humano capte diversos mensajes y como primer punto se puede notar lo que sucede con el contacto visual, lo cual nuestro sentido capta y el cerebro de codifica todas las señales para lograr su definición estos son considerados componentes psicosomáticos, los que influyen en la interpretación mediante estímulos como el color en el significado que se le da a diversas culturas se está atendiendo a los componentes culturales y por último las experiencias compartidas que son todas aquellas que son conceptos altamente arraigados en los receptores por el hecho de ser humanos como la hierba/ verde, azul/ cielo, etc. Todos esos factores proporcionan orientación que puede llegar a afectar la percepción e interpretación final.

También es básico que exista un equilibrio visual en lo realizado, existen dos tipos de equilibrio el formal que se basa en la bisimetria, suele estar ubicado por encima del centro geométrico, en el que se puede reflejar estabilidad, calma y estatismo reflejando armonía en el. El equilibrio informal es contrario al anterior, está cargado de fuerza gráfica y dinamismo, prescinde de simetría y equilibrio.

La tensión puede considerarse como lo opuesto al equilibrio, cosntituye la fuerza de un diseño y es lo que consigue inferir movimiento y dinamismo a una composición existen diferentes técnicas para generar tensión pero las principales con la sugestiva que consiste en dirigir la atención a un punto determinado, la rítmica que es la secuencia de elementos, que se tienden a agrupar formas semejantes para lograr una sincronía entre ellas.


REFERENCIAS
http://www.fotonostra.com/grafico/tecnicascompos.htm
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1277.php
http://www.imageandart.com/tutoriales/teoria/composicion_ubicacion/index2.htm

SEMIÓTICA

Cada uno de los seres humanos nos cuestionamos de diversas maneras y tratamos de dar respuesta a nuestros grandes cuestionamientos, utilizamos diversos símbolos que permiten tener comunicación y todo lo que se nos presente lo estudiamos. Inventamos nombres, incluso también materias que nos permitirán realizar esos estudios, una de ellas es la semiótica que se remite al complejo fenómeno de la significación de las situaciones significantes, cada autor ha brindado su aportación sobre el termino, algunos de los autores son: Pierre (Collected Papers) semiótica es “la doctrina de la naturaleza esencial de las variedades fundamentales de toda posible semiosis”; para De Saussure (Curso), se trata de “una ciencia que estudie la vida de los signos en el seno de la vida social” a la que propone que se dé el nombre de “semiología”. Para Erik Buyssens (La comunicación et l´articulación linguistique), pero todos ellos se enfocan al estudio de los procesos de comunicación; lo cual señala que se vislumbran todos aquellos signos sean escritos o envueltos dentro de la naturaleza que son capaces de transmitir un mensaje, además de cómo éste es percibido.

Cabe mencionar que la semiótica también es conocida como semiología pero expresado de una u otra forma sin duda alguna la finalidad es saber, claro está que es identificar los distintos tipos de signos y analizar la funcionalidad que éstos puedan tener en diferentes niveles. Toda la materia su finalidad principal es analizar los sistemas de signos desarrollados si nosotros analizamos con detalle a nuestro alrededor están toda clase de signos que intentan comunicarse con nosotros para beneficio propio por su parte la materia de la semiótica es la encargada de todos los signos, sistemas sígnicos, acontecimientos sígnicos, los procesos comunicativos, funcionamientos lingüísticos y todo lo que emita una transmisión de mensaje. El campo de trabajo de esta materia es amplio se puede ocupar de varias cosas como el teatro, cine, moda, señales de tránsito, publicidad, etc.

El campo de estudio de la semiótica no se limita solo con el estudio de los signos si no de las relaciones que tienen los significados y de esta forma adopta el nombre de semántica, que es el estudio del significado de las palabras; la relación entre significantes y usuario se le denomina pragmática que es la relación entre los seres humanos y por último la sintaxis que es la parte que estudia la relación entre los significantes. Es obvio que siempre buscamos la manera de analizar las cosas y de estudiarlas, pero sin duda alguna todos desde pequeños buscamos respuestas a los diversos señalamientos que percibimos. Después de todo en el campo del diseño es el manejo de diversos signos que harán ya sea que un comprador o el público en general capte los mensajes que son necesarios que entiendan para ello el analizar la función de la semiótica es algo que se debe entender para poder aplicar ese conocimiento en la creación de un material que permita al receptor captar las señales.

REFERENCIAS
http://www.tuobra.unam.mx/publicadas/030614003225.html
http://www.astraph.com/udl/biblioteca/antologias/semiotica.pdf
www.archivo-semiotica.com.ar/SobreSemiotica.html

LA TEXTURA COMO FORMATO BÁSICO

La textura es un elemento tan rutinario que simplemente a veces pasa desapercibido para cada uno de nosotros pero también hay que reconocer que es importante, esta nos motiva a apreciar las cosas de cierta manera, tomando en cuenta que la textura es un elemento que enriquece la expresividad. Naturalmente la textura se encuentra por todos lados y la podemos percibir de diferentes formas mediante nuestros sentidos y cada expresión nos hace que tengamos diferentes reacciones.

La textura se encuentra de forma natural, esto quiere decir que se encuentra expresado por la naturaleza cada materia puede tener una textura rugosa, lisa, grotesca, fina, etc. Las texturas naturales las podemos encontrar en cualquier lugar, objeto o sujeto, como por ejemplo la textura de una corteza del árbol o la textura de las alas de una mariposa, entre otros. Por otro lado tenemos las texturas artificiales que son las que genera el hombre a través de su propia mano, como la textura de una pintura, un utensilio de cocina o todos los objetos que han sido creados por él. Para el diseño grafico la textura es el tercer elemento que aporta algo al diseño gráfico, la textura independientemente de que ayuda al diseño también es un elemento que ayuda a crear un humor o una disposición en el individuo, con ella se pueden crear adaptaciones para personalizar trabajos y con ellas crear una dimensión y riqueza a los trabajos.

Las texturas provocan reacciones en el ser humano hasta llegar al rechazo o aceptación según las características, por ejemplo una textura lisa y uniforme provoca una sensación estética, una rugosa y de diferentes colores produce mayor efecto de movimiento visual. También las táctiles son importantes, cada textura sea el medio por el cual las reconozcamos sin duda alguna provoca sensaciones distintas como: repulsión, agrado, frágil, pesado, frio, interesante, desagradable, etc. Para todo autor es importante que maneje adecuadamente este elemento porque dependerá que el receptor capte lo que en realidad quiera transmitir el autor.

Sin embargo para el diseño no solo debe importar el tipo de texturas para mejorar su aspecto y aceptación o el hecho de despertar todas las sensaciones que se tienen con cierta finalidad, sino también de que sea funcional, la estética fue importante pero todo buen diseñador debe de tomar en cuenta ambas características. La función práctica de la textura debe poseer un efecto expresivo ya que deben de ponerse con cuidado y deliberadamente pensadas para conseguir resaltar la forma de las texturas con el efecto expresivo necesario para llamar la atención. Dentro de los tipos de texturas que se utilizan son la táctil que corresponda a una superficie con relieve o rugosa, fina o suave, todas ellas se pueden apreciar por medio del contacto con la piel, otra es la visual, son las que se encuentran impresas deben darle cierto parecido a la realidad o inventadas. Además de la textura de patrón o mosaico que pertenece a la visual pero está compuesto por figuras o líneas que hacen posible apreciar un tipo de textura visual tal y como sucede con los papeles que repiten una y otra ces la marca o logo de una empresa y ellos a su vez se pueden hacer fondos.

REFERENCIAS

http://educacionplasticayvisual.wikispaces.com/Elementos+configurativos+de+los+lenguajes+visuales
http://www.fotonostra.com/grafico/texturas.htm
http://www.buenastareas.com/ensayos/Textura-Tactil-Diseno-Grafico/294958.html

FAMILIAS TIPOGRÁFICAS

Las causas que originaron invención de la escritura fueron principalmente la necesidad de comunicar a los demás sus pensamientos, su historia incluso sus costumbres, posteriormente se ha comprendido que las formas que tiene una letra hace que el publico fije su atención en ésta o simplemente se vuelva invisible. Varios autores han intentado hacer una clasificación de estos símbolos tipográficos agrupándolos en familias, según la clasificación de Luciano Moreno dice que las familias tipográficas son signos escriturales parecidos entre sí pero también éstos tienen rasgos propios.

Su creación ha derivado de hace muchos años, sin embargo otras se han generado recientemente con la explosión creativa de la aplicación de la imprenta y el diseño gráfico digital. Pero la forma en que se agruparon fueron realizadas por la fecha de creación, su origen o sus características morfológicas.

Las familias en que se dividen son: humanas, garaldas, reales, dionas, mecanos, lineales, incisas, scriptas y manuales. La clasificación de Robert Bringhurst son: renacentistas, barrocas, neoclásicas, romanticas, realistas, modernistas geométricas, modernistas líricas y posmodernistas. Según la clasificación de VOX que se da en los remates como Garalda, Real, Didona, Mecano, Palo Seco e Incisa. Otra clasificación es la ATypI que es el resultado de la anterior que se basa en la agrupación de fuentes mediante sus características comunes y es la siguiente Romanas, Palo Seco, Rotuladas y Decorativas.

Las letras romanas están influenciadas de la escritura manual, donde se trataba de resaltar los pies de las letras que se tallaban para evitar que la piedra saltasen los ángulos, además de que tiene una gran armonía en sus proporciones, presentan fuertes contrastes en los elementos rectos y curvos, los remates proporcionan un alto grado de legibilidad, éstas a su vez se encuentran divididas en: Antiguas también llamadas Garaldas, de Transicion, Modernas, Mecanos e Incisas.

Las de Palo Seco que se caracterizan por los reducidos en los caracteres en su esquema esencial, las mayúsculas se vuelven a las formas fenicias y griegas, pero las minúsculas están conformadas por líneas rectas y círculos unidos, reflejando la época en que nace la industrialización y funcionalismos, a su vez se subdividen en: Lineales sin modulación y grotescas.

Las Rotuladas advierten el instrumento y la mano que los creó, así como la tradición caligráfica o cursiva en la que inspiró el creador, también se subdividen en: Caligráficas, Góticas y Cursivas informales.

Por último se encuentran las decorativas que no fueron concebidas como tipos de textos, sino para un uso esporádico y aislado, hay varias dentro de esta pero las que más se pueden distinguir son la de Fantasía y Época.

REFERENCIAS
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1626.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Clasificaci%C3%B3n_tipogr%C3%A1fica
http://www.imageandart.com/tutoriales/tipografia/familias_tipograficas_1.htm
http://www.imageandart.com/tutoriales/tipografia/familias_tipograficas_2.htm

LA SATURACION E INTENSIDAD

La Croma representa la pureza o intensidad de un color particular, la viveza o palidez del mismo, y puede relacionarse con el ancho de banda de la luz que estamos visualizando. Los colores puros están completamente saturados. Un color intenso es muy vivo. Cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo.

También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o más neutro es, menos brillante o menos "saturado" es. Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro automáticamente baja su saturación. La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su opuesto (llamado complementario) en el círculo cromático. Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un gris de blanco y negro de su mismo valor.

Un color intenso como el azul perderá su saturación a medida que se le añada blanco y se convierta en celeste, otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, ya que produce su neutralización, es la tercera dimensión del color, es la cualidad que diferencia un color intenso de uno pálido y cada uno de los colores primarios tiene su mayor valor de intensidad antes de ser mezclados con otros.

La luminosidad es la cualidad del brillo: luz y oscuridad. Cuanto más delicado sea un contraste dentro de un diseño, más luminosa será su apariencia. La luminosidad depende del contraste, del mismo modo que el lustre y la iridiscencia; sin embargo, este contraste es tan extremo sutil y el resultado es un efecto casi no terrenal.

La saturación de color es una propiedad muy importante y en ocasiones no se valora ni utiliza el poder que tiene. Los colores saturados producen más impacto, cuando se quiere dar un efecto vigoroso y espectacular se buscan los colores más vivos posible.

Existen muchos métodos para lograr esto al margen del procesado posterior de la imagen

• Buscar el ángulo adecuado de la luz, la que mejor funciona es la frontal
• Utilizar un filtro polarizador para eliminar reflejos
• Medir la exposición para el elemento elegido, un tono resultará más apagado si está sub o sobreexpuesto.

La llegada de la fotografía digital ha hecho que la saturación de color pueda modificarse de manera directa y sencilla a posteriori, los programas de manipulación de imagen han hecho que esto sea demasiado fácil, lo que unido a que los colores saturados dan un aspecto vistoso a las imágenes lleva muchas veces a imágenes sobresaturadas al punto de ser irreales. Encontrar el valor justo es complicado, como el punto de sal en las comidas.

También es sencillo aumentar la saturación de color de manera local, seleccionando determinados tonos o zonas de la imagen. Existirán muchas imágenes en las que unas zonas presentan colores más saturados que otras, como puede ser el fondo de un paisaje con un velo de neblina. De nuevo es necesario ser cuidadoso para no invertir esa situación de manera irreal.

Sucede sin embargo que muchas escenas por el contrario son atractivas por sus tonos sutiles y apagados. La preponderancia de tonos apagados crea un ambiente tranquilo y armonioso. A diferencia de los tonos saturados, que compiten entre sí, los apagados forman juegos delicados con diferencias sutiles que son sin embargo captadas por el espectador. Los colores apagados son inherentes a algunos temas -desde viviendas en barrios deteriorados hasta el camuflaje de algunos animales- y en otros el color está modificado por la luz o por situaciones atmosféricas como la niebla.

Al igual que lo dicho antes, la saturación también puede reducirse en el procesado con motivos estéticos para transmitir un determinado ambiente a la fotografía.

REFERENCIAS

http://www.mailxmail.com/curso-teoria-color/saturacion-intensidad-color
http://html.rincondelvago.com/color_5.html
http://www.caborian.com/20100315/lab22-armonia-y-contraste-de-colores-saturacion-de-color/
http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm

SIGNIFICADO DE LOS COLORES

Es necesario tomar en cuenta que según estudios el ojo humano aprecia por energía luminosa, por medio de ello se pueden percibir los colores aunque también existen otros colores que no podemos apreciar. Los colores expresan estados anímicos y emociones de significación psíquica y ejercen una acción fisiológica.

El color es un elemento básico para elaborar un mensaje visual aunque no es el todo, además de que tiene muchas propiedades que le complementan y hacen que se defina, dentro de estas propiedades se encuentra el matiz.

El matiz se define como un atributo del color que nos permite distinguir los colores, además de que se refiere al recorrido que se hace de un tono a otro en el círculo cromático, por lo que el verde amarillento y el verde azulado son diferentes pero a pesar de ello son matices del color verde solo que combinado con otros colores primarios.

Los colores de excitación son: rojo naranja y naranja, los tranquilos azul y azul verdes o violáceos, los inquietos azul turquesa, azul ultramar. Los mas sedantes violetas, los más confortables verdes, azules claros y violetas claros, los cálidos crema, marfil, beige y gamuza son los alegres.

El color puede ser la traducción de los sentidos además de que están presentes en todos los aspectos, además de que estos despiertan respuestas emocionales en las personas. Por ejemplo los colores ardientes atraen la atención y muy a menudo por esa razón se utilizan en los letreros y en el diseño grafico, ya que afecta a las personas de diversas formas, como aumento en la presión sanguínea y estimulación en el sistema nervioso.

Los colores fríos son dominantes y fuertes además de que nos recuerdan al hielo o la nieve, la reacción que tienen estos son opuestos a los generados por los ardientes ya que este aminora el metabolismo y aumenta la sensación de calma. Los claros son los pasteles más pálidos y sugieren liviandad, descanso, suavidad y fluidez evitan las tensiones. Los colores oscuros hacen parecer que los espacios se reducen, combinarlos con colores claros hace que se presente un contraste que comúnmente se puede entender como el día y la noche.

Los colores brillantes se obtienen por la ausencia de los colores gris o negro y los vividos, estos sin duda alguna atraen la atención esos colores reconocidos como azul, rojo, amarillos y naranjas, además de que son estimulantes y alegres buenos para utilizarse en envases, moda y publicidad.

http://www.weblogicnet.com/descargas/teoria-del-color.pdf
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1503.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_del_color
http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm

TEORIA DEL COLOR

La forma en que se dedicó al estudio del uso de los colores es muy importante para el diseño, debido a su conocimiento se entiende que no solo es una característica, sino es cuestión de apreciación subjetiva, que da una estimulación al ser humano por medio de la vista. El color es importante para el diseñador ya que de este depende la atracción o el rechazo por su trabajo, también son la sensación del movimiento. Los colores despiertan sensaciones, emociones y pueden despertar los sentimientos, por lo tanto es parte fundamentan, la base para un buen diseñador.

El precursor sobre este estudio es el poeta y científico Johann Wolfgang von Goethe que se opuso a lo expuso por Newton, diciendo que el color depende de cómo se percibe donde intervienen el cerebro y la vista. Menciona que lo que vemos no depende de la materia, o de la refracción de la luz si no que también interviene una tercera situación que es la percepción individual del objeto Sin embargo, tal subjetividad no radica en los postulados de Goethe, sino en la misma base física del concepto de color, que es nuestra percepción subjetiva de las distintas frecuencias de onda de luz, dentro del espectro visible, incidiendo sobre la materia.

De ahí se describen diferentes formas para entender cómo funciona la combinación de los colores y con ello tener una mejor aceptación de los trabajos. Para ello hay que tener en cuenta el círculo cromático el cual nos sirve para observar la organización básica de los colores, teniendo que:

Los colores primarios son: el rojo, el azul y el amarillo, los colores secundarios son: el verde, el violeta y el naranja, los colores terciarios son: el rojo violáceo rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

Los colores secundarios se obtienen al mezclar partes iguales de dos primarios; los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un color primario y de un secundario adyacente.

Los primarios son colores que se consideran absolutos y que no pueden crearse mediante la mezcla de otros colores. Sin embargo, mezclar los primarios en diversas combinaciones crea un número infinito de colores.

El primer grupo de primarios según los artistas diseñadores: amarillo, rojo y azul. Mezclando pigmentos de éstos colores se obtienen todos los demás colores.
El segundo grupo de colores primarios: amarillo, verde y rojo. Si se mezclan en diferentes porcentajes, forman otros colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la luz blanco.
El tercer grupo de colores primarios: magenta, amarillo y cyan. Los utilizados para la impresión.

Definimos como los colores secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores secundarios se obtienen de la mezcla en una misma proporción de los colores primarios.


http://www.weblogicnet.com/descargas/teoria-del-color.pdf
http://www.desarrolloweb.com/articulos/1503.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_del_color
http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm
http://www.fotonostra.com/grafico/circulocromatico.htm

PSICOLOGÍA DEL COLOR

Es importante que el diseñador tenga conocimientos que le permitirá realizar mejor su trabajo, dentro de estos es tener conocimientos sobre técnicas y métodos que hacen posible que sus diseños sean de calidad, un punto importante es el manejo de los colores, ya que se comenta que la percepción de los colores y la conducta humana van ligadas.

Aunque esta área es relativamente nueva las civilizaciones creían en la influencia de estas. Un ejemplo es la cultura china que representaba los puntos cardinales y uno de los que representan a esta nación es el amarillo y así se pueden mencionar otras culturas. Sin embargo existieron algunos personajes conocidos que se interesaron por este tipo de propiedades como el griego Aristóteles quien describió los colores básicos en relación con los elementos de la tierra.
Quien olvida lo que se considera como importante con la refracción de la luz, también se pueden utilizar para la expresión del arte como lo realizado por Leonardo Da Vinci, el clasifico los colores en básicos, al blanco como el receptor y negro como ausencia de colores. Sin embargo al que se le atribuye la investigación como tal de la psicología del color es al alemán Johann Wolfgang Von Goethe el cual se opuso a la teoría de Newton diciendo que los colores dependen de cómo los perciba el receptor.

También hay que considerar que las ondas electromagnéticas tienen gran influencia de cómo percibimos los colores, de acuerdo a estas ondas y su longitud es como se pueden percibir los mismos. Para esto nosotros podemos determinar que el color tiene saturación, brillo y tono. De ahí tenemos que los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz, y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. A todos nos sensaciona el color y cada uno tiene sus propias ideas sobre antipatías o simpatías, gusto o desagrado sobre aquel o este color, pero de manera general, todos percibimos una reacción física ante la sensación que produce un color, como la de frío en una habitación pintada de azul o la de calor en otra pintada de rojo. La psicología de los colores están basadas ciertas relaciones de estos con formas geométricas y símbolos, y también la representación Heráldica.

Los colores cálidos se consideran como estimulantes, alegres y hasta excitantes y los fríos como tranquilos, sedantes y en algunos casos deprimentes. Aunque estas determinaciones son puramente subjetivas y debidas a la interpretación personal, todas las investigaciones han demostrado que son corrientes en la mayoría de los individuos, y están determinadas por reacciones inconscientes de estos, y también por diversas asociaciones que tienen relación con la naturaleza.

http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm
http://estocolmo.se/cultura/color_oktub23.htm
http://www.rrppnet.com.ar/psicologiadelcolor.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Psicolog%C3%ADa_del_color

IMAGINARIO

LLEGO SIEMPRE AL MISMO PUNTO,
VIENDO EL ALBA DETRAS DE UNOS MONTES,
LOS CUALES ME LLEVAN AL RESPLANDOR DE TU MIRADA.

SIENTO LA NECESIDAD DE TU SER

QUE TANTO ME ESTREMECE Y

QUE NO PUEDO EXPLICARLO,
CAIGO EN LA RENDICION DE UN PENETRANTE LATIR,
QUE SIN DUDA ALGUNA ABRUMA MI NOBLE CORAZON.

ME DETENGO Y PIENSO QUE NO ES MAS QUE
LA SENSACION DE UN SENTIMIENTO IMPOSIBLE.

RECUERDO A CADA MOMENTO QUE TODO LO QUE TE RODEA
SIMPLEMENTE TE VENERA,
LA ATENCION, LA PROTECCION Y LA DELICADEZA DE UN
PERFUME QUE NO SE DESVANECE.

RECORDANDO AL FIN Y AL CABO
QUE NO ERES UN SUEÑO,

QUE MI SER TE HA NECESITADO,
PORQUE EN REALIDAD TU NO ERES MAS QUE UNA ILUSION.

LA ILUSION DE QUE QUIZA
ALGUN DIA, DE QUE ALGUNA VEZ, FUESE REAL,
PERO SIEMPRE LLEGA CARGADO DE UNA ILUSION

TE LLEVARE DENTRO DE MI
POR ESO TE LLEVARE DENTRO DE MI

POR TODA LA ETERNIDAD.

BROCHURE

El Brochure es toda aquella paquetería de folletos que tiene una compañía, abarca todo que sea trípticos publicitarios, la presentación de sus proyectos, es decir la carta de presentación de la empresa, mostrando todo lo que puede brindar la misma. El Brochure tiene principalmente tres funciones que son: informar, dar publicidad y para identificar a la misma.

Los tres elementos que se presentan no deberían de estar de forma independiente por lo contrario, son elementos que sin duda alguna se complementan de tal forma que es la carta de presentación. Los tres elementos se deberían de conjugar de tal forma que no solo permita la identificación de la corporación. Para la elaboración de este hay que tomar en cuenta que tipo de Brochure se quiere hacer y con que finalidad.

Lo principal es entender la finalidad porque de ello dependerá su realización y éxito. La mas conocida es una carpeta con pestañas, en ella se presentan utilidad porque es mas fácil organizar los proyectos que se necesitan mostrar y además en ella lleva información de la compañía. Seguramente en el espacio del mercado hemos tenido contacto con ese tipo de materiales solo que no les conocíamos de esa manera algunos ejemplos son: Dípticos tamaño carta, Volante tamaño carta, Dípticos tamaño A3, Trípticos tamaño carta, Carpeta con pestaña para Inserts, entre otros que quizá su utilidad no es tan mencionada y por ello no los vemos pero como se puede percibir la variedad es amplia y las empresas pueden mandar hacerlos y con ello publicar la esencia de su empresa.

Para elaborar un Brochure hay que tomar en cuenta lo siguiente:

1. Tomar en cuenta el tamaño del papel y lo que se quiere transmitir

2. Establece bien cuales son los objetivos y presentar la información lo mas clara posible con lenguaje claro y conciso.

3. Organizar la información y determinar si llevara títulos y subtítulos.

4. Determinar si el formato se presentara en vertical u horizontal, presentando también la misión, visión o mensaje principal sobre la empresa.

5. Conocer a que tipo de personas va enfocada la información.

6. Mostrar la esencia de la empresa y cautivar el interés utilizando las imágenes adecuadas y llamativas.

7. Utilizar el tipo de tipografía adecuada utilizando las típicas como son: Garamond o Helvética.

8. Se puede añadir un color de fondo.

http://www.brochuredesignteam.com/Que-Es-El-Brochure.aspx

http://www.brochuredesignteam.com/Como-Disenar-Brochures.aspx
http://www.brochuredesignteam.com/Diferentes-Tipos-Brochures.aspx
http://www.slideshare.net/amillan/brochure-445067

CLASES DE DISEÑO PUBLICITARIO

Dentro del diseño existe un clase de diseño llamado publicitario el cual es la creación de maquetas y publicaciones impresas con la finalidad de comunicar, pero también cabe resaltar que esto se fue extendiendo hasta los medios de comunicación. El diseñador toma en cuenta cuatro puntos importantes, los cuales son: el producto a diseñar, el grupo de personas, usuarios o grupo de individuos, los medios por los cuales se va a realizar y la competencia.

El diseñador gráfico tiene como labor el transmitir ideas mediante el uso de elementos con tendencias, como resultado se dará un estilo propio que le identificará sobre los demás, ahora en la actualidad han surgido un sinfín de medios que hacen posible la transmisión de los mensajes que las organizaciones o empresas desean publicar, ya que es claro que lo que se necesita es ofrecer información.

Algunos de los tipos de diseño publicitario son:
Folletos y Flyers, Catálogos, Carteles y Posters; Vallas Publicitarias; Packagin, Envases y Etiquetas; Logotipos.

1. FOLLETOS: Presentan un servicio o producto, de manera detallada e ilustrada, el tamaño varia, el tamaño depende absolutamente de la información que maneje. Está compuesto de portada donde el diseñador debe despertar toda su creatividad para atraer la atención.

2. FLYERS Los flyers mejor conocidos como "Volante", son aquellos pequeños folletos los cuales se pueden encontrar: los volante, díptico y tríptico.

3. CATÁLOGOS PUBLICITARIOS Son publicaciones ofrece información sobre productos o servicios minuciosamente, aunque su costo es un poco elevado, la ventaja es que permite mostrar de forma detallada todo lo destacado de la empresa, sin limitarse a la calidad y el espacio hasta el último detalle. Las partes que comprenden un catálogo son: El contenido, la portada y la contraportada.

4. CARTELES Y PÓSTER Son diseños impresos que sobrepasan el tamaño DIN A3. Un cartel o un poster están hechos para captar la atención a las personas mientras, éstas, se encuentran en movimiento y para que sean visibles desde grandes distancias e impactantes por su gran dimensión, contienen: imágenes, gráficos, fotos y textos estos puntos pueden generar movimiento y dinamismo.

5. LAS VALLAS PUBLICITARIAS: Son aquellas que se encuentran ubicadas en las zonas abiertas, grandes centros comerciales, carreteras, etc. deben tener gran tamaño y un cierto atractivo para ser vistas a grandes distancias, con textos cortos, claros y directos.

6. EL PACKAGIN: también conocido como embalaje es un recipiente o envoltura que contienen los productos que sirven para agrupar unidades. Otras funciones son proteger el contenido, facilita la manipulación, además de que también ofrece información sobre el producto.

7. LOGOTIPOS: Son emblemas o signos que identifican a las diferentes empresas, representando la calidad de sus productos o de las ideas que representa una empresa, este debe ser sencillo y sobre todo simple.

REFERENCIAS:

http://www.fotonostra.com/grafico/clasespublicitario.htm
http://disenopc.blogspot.com/2007/10/diseo-publicitario-cide.html
http://www.estudiosimbiosis.com.ar/publicidad/diseno-publicitario.html
http://www.slideshare.net/guest4d6398a/clases-de-diseo-presentation
http://es.wikipedia.org/wiki/Embalaje

SIGNOS ICÓNICOS

Este tipo de lenguaje es una representación lingüístico y visual. Se dice que es así por tratar de representar la realidad a través de representaciones de la realidad con imágenes. La imagen maneja la manera singular de sustituir, interpretar o traducir esa realidad. A veces estos iconos cumplen la función de carácter natural o artificial lo cual ese punto se encuentra en un punto de discusión. Lo cierto es que estos iconos funcionan de acuerdo al principio de semejanza y se pueden incluir imágenes, pinturas, fotografías o esculturas.

Los iconos reproducen algunas condiciones de la recepción del objeto de manera grafica, ofrecen una transcripción de lo real, según los códigos de reconocimiento, pero independientemente de todo, los signos iónicos tienen cuatro características y deben ser: naturales, convencionales, analógicos y de estructura digital. Al igual que un logotipo los iconos permiten adquirir una imagen mental para que se pueda reconocer y asociar.

Los signos pueden ser naturales, se denomina así porque la nula participación del ser humano en esa representación, también reciben la denominación de indicadores o índices tal, es el caso de el humo como un indicio de que hay fuego, etc. Además de que también existen signos artificiales aquí los seres humanos intervienen representando dichos signos como en representación grafica del fuego como un símbolo de advertencia.

A su vez los signos artificiales se pueden dividir en dos: lingüísticos, los cuales son sistemas verbales y no lingüísticos que pueden ser señales, símbolos e iconos. Su representación ha de tener cierto significado para que puedan interpretarse bien, todos estamos rodeados de símbolos las cuales podemos identificar de acuerdo a las experiencias que vamos teniendo como una calavera que representa el peligro o los símbolos que adoptan cada uno de las religiones por ejemplo la media luna del islamismo o el más conocido como la cruz en la religión católica.

En la elaboración de estos símbolos son parecidas a las que se tienen que considerar con los logotipos solo que estos deben ser considerarse tal y como lo menciona Willows y Houhton (1987) y son:

1. si se combinan los lingüísticos con no lingüísticos debe ser global para poder entenderlo rápidamente y recordarlo.

2. Deben ser claras o de lo contrario dejar un margen para la imaginación.

3. Las imágenes nunca mostrarán falsos ajustes con el texto.

4. Evitar usarse con cuerpos de textos fáciles.

5. Se deben facilitar los procesos de lectura.

6. Deben estar ajustadas al nivel de habilidad y evolutivo de las personas.

7. No deberán ser adulteradas.

8. Se debe utilizar un material que facilite su aprendizaje.

9. La información debe destacar los aspectos básicos de la información.

10. La forma en que se concretan las cosas asociadas con más fáciles para aprender y se recuerdan también.

11. Se debe tener un concepto básico espacial para el uso adecuado de las imágenes.

REFERENCIAS

http://www.fotonostra.com/grafico/signosiconicos.htm
http://www.fotonostra.com/grafico/tiposdesignos.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Iconismo
http://www.monografias.com/trabajos/lacomunica/lacomunica.shtml
http://web.usal.es/~anagv/arti2.htm
http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.transito.go.cr/educacionvial/PG000061_files/image001.gif&imgrefurl=http://gastonsalazar.blogspot.com/&usg=__x2FqNYXfMl37l7FPaXp1EaMOHCg=&h=392&w=500&sz=40&hl=es&start=127&tbnid=w5XldVh06TWWoM:&tbnh=102&tbnw=130&prev=/images%3Fq%3Dsignos%2Biconicos%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1003%26bih%3D355%26tbs%3Disch:10%2C3106&um=1&itbs=1&ei=97RQTMzXB8T68Aatu4WIAQ&biw=1003&bih=355

PROCESO DE SERIGRAFÍA

La serigrafía es la impresión que es marcada sobre soportes, se realiza con tintas especiales, éstas pasan por una especie de tamiz de hilos finos, además de que hay una reserva por donde no pasa esa tinta.

Es una técnica que se utiliza en adhesivos, caratulas, sinópticos, displays, placas, señales, impresión sobre textil, sobre materiales rígidos, porosos, magnéticos, etc. Mientras sea posible realizar esa impresión.

La serigrafía permite imprimir sobre múltiples superficies e infinidades soportes, esto hace que la industria lo utilice en demasía. Los colores que se pueden utilizar son mates, de baja intensidad o brillantes, además de que se pueden mezclar diversas clases de tintas, se garantiza su resistencia a los elementos de la intemperie en cartelería, rotulación y publicidad exterior.

La serigrafía es un proceso muy largo ya que la forma de preparación es compleja, se tensa la muselina o la seda serigráfica al bastidor de madera o metálico, además de estar tensionado al punto en que no se arrugue para que al momento de imprimir no se arruguen, normalmente se sostiene con grapas y de manera cruzada, con el fin de que la tensión quede pareja.

La base de las tinta con la que se va a imprimir, puede ser en base agua y bencina (varsol), también existe emulsión roja para imprimir con tintas con base de pvc, bicromato de amonio. Se le adiciona bicromato de amonio en cantidad que indique el fabricante y normalmente son pocas gotas, la sustancia se extiende de forma pareja con una canal o espátula, con la seda tensionada y se deja secar en un sitio oscuro o con la ayuda de un secador de cabello, después se toma algo transparente. La emulsión reacciona de diferente manera de acuerdo a la exposición con la luz, habitualmente para una mesa de dibujo se expone por no más de un minuto, también se puede usar el foco de un cuarto y para ello el tiempo es de veinte minutos aproximadamente.

Después del proceso se procede a revelar, suavemente se frota con la mano o con un pincel, las partes que no fueron expuestas se diluirán dejando la seda en blanco, no se debe frotar mucho porque la emulsión se caerá. Si se cae todo es porque quedo sub – expuesta y necesitaba más tiempo para reaccionar. Después del proceso de revelado hay que dejar secar la plancha, si el dibujo no quedo como se esperaba se puede usar un pincel y aplicar la emulsión restante, una vez seca, la plancha podrá ser usada para imprimir.

TÉCNICA DEL COLLAGE

También en la actividad artística existe una técnica llamada collage, consiste en ensamblar diversos elementos de manera unificada, de manera esencial este término lo enfocamos a la pintura, pero se puede aplicar a la música, cine, literatura o video clip. Este término proviene del francés coller, que significa pegar.

Cuando lo enfocamos en la pintura, pude ser el oleo, acuarela, grabado, durante sus inicios solo se trataba de agregar papeles de colores planos sobre cuadros, aumentando el color absoluto pero ahora en la actualidad se pueden manipular diversos materiales como periódicos, revistas, papeles de colores o embalaje, etc. normalmente se utiliza sobre superficies planas como papel, cartón, fotografías, telas, sin embargo puede ocuparse para objetos con volumen, como prendas de vestir, cajas u objetos de metal. La manipulación de esos materiales y la forma de manejarlos da una creación completamente original e imaginativa.

Existen tres formas de collage; la primera, es con papel y cartulina: la técnica consiste en mojar papeles por la lluvia, papeles arrugados, en blanco y negro, con color, como pintados, decorados, con lápices, con carboncillos, con colores de agua, periódicos, carteles folletos, etc. estos van pegados sobre una superficie plana con cierto grosor. Como por ejemplo un cartón.

La segunda, con materiales sólidos llamados comúnmente como ensamblajes se puden utilizar fragmentos de madera, en tiras, listones, molduras, madera rota, quemada o pintada. Pero también se pueden incluir tejidos, tales como telas, hilos cordeles, cuerdas, sacos etc., incluso materiales como bidones, chapas clavos o tornillos finalmente cualquier material de desecho u otros objetos que puedan servir para hacer un embalaje, pero lo único que podría cambiar la esencia de esta creación seria la aplicación de pintura o fuego que permite que altere la textura y color.

El último consiste en collage con relieves de pintura que es la acumulación de pintura y la aplicación de capas que permiten tener un grosor y diferente relieve, para que a partir de ese efecto se vayan creando formas imaginativas. Otros son los colores en polvo, arena, serrín, virutas de madera, plástico, etc.

RECOMENDACIONES PARA ELABORAR UN CARTEL

En la actualidad el cartel se ha convertido en una de las modalidades más explotadas en Congresos, cursos y seminarios, para compartir resultados de investigaciones, experiencias.

Un buen cartel debe tener las siguientes características:

1. El mensaje de un cartel debe ser global, percibiéndose como un todo elemento se integra armónicamente y crea una unidad estética de gran impacto. Para facilitar el aprendizaje y el manejo de estos elementos los dividiremos en físicos y psicológicos.
2. Los elementos físicos constituyen el arreglo o tratamiento estético y el atractivo visual.

3. Debe tener elementos psicológicos que son aquellos que estimulan al espectador para que se oriente hacia lo que se pretende en dicho mensaje.
4. Un cartel debe llama la atención espontáneamente, los elementos físicos que provocan este tipo de atención son: imagen, texto, color, composición, tamaño y formato.

5. La imagen debe ser una síntesis que resuma la idea a la mínima expresión gráfica, sin dejar de ser clara y significativa.
6. La imagen de un cartel está constituida por formas, que pueden ser básicamente: naturales, geométricas o abstractas.

7. En cuanto a su elaboración, las imágenes que se aplican al cartel pueden ser: fotográficas o dibujadas.
8. No olvidemos que la imagen en un cartel no es un fin en sí misma, sino un medio para llegar al fin propuesto, que es la comunicación y fijación del mensaje.

9. El texto del cartel, refuerza el mensaje implícito en la imagen y es en sí mismo un elemento importante en la composición
10. La redacción no debe ser muy extensa, sino más bien debe ser un destello al observador que la visualizará en segundos.

11. En algunos casos un texto interrogativo puede ser el centro motivacional de un cartel.
12. La redacción estará determinada por el nivel cultural y social de las personas a las que irá dirigido el mensaje.

13. Dentro del elemento texto existen dos tipos: el encabezado y el pie.
14. El tipo de letra es también un elemento importantísimo, pues a través de ésta podemos transmitir significados emotivos y sentimientos; combinada con la imagen pueden resultar más impactante en su mensaje global.

15. El color es otro aspecto relevante del cartel, usar pocos colores, aplicar los colores planos, sin matices, usar fondos contrastantes y usar colores claros.
16. El tamaño del cartel deberá considerarse, pues dependiendo del lugar en que estará colocado y la distancia en la que pasarán los que lo observen, determinará sus dimensiones.

17. El tamaño más común es el de 70 x 100 centímetros, de 50 x 70 cm, o el más pequeño que es de 35 x 50 cm. Este tipo de medidas son las más recomendables pues están en función de las medidas comerciales del papel, con lo cual se evitará el desperdicio.
18. El último elemento a considerar en el cartel es el formato vertical o el horizontal.

Carlos Amorales (exposicion en el museo Amparo)

Todos consideramos el arte como la expresión que tenemos los seres humanos para manifestar nuestros sentimientos y lo podemos hacer por medio de dibujos, esculturas o cualquier tipo de obra. Entendiendo que el arte también forma parte de la cultura ya que se va pasando de una generación a otra, sin ella quizá no podríamos mencionar que es lo que nos pasa durante cierta época, en cada tiempo fue surgiendo cierto tipo de arte que quizá en su momento escandalizo a las personas porque sus paradigmas no se encontraba ese tipo de arte.

En la actualidad se puede mencionar que cualquier forma de expresión sin que llegue a ser estética puede denominarse que es arte, porque si nos vamos al concepto así es, el arte contemporáneo muestra una faceta diferente de la que normalmente estamos acostumbrados, ésta tiene inicios a finales del siglo XVIII, ahora en la actualidad en el siglo XIX la vida a tomado un rumbo diferente y a tenido una ruptura en la esencia de lo tradicional. Los momentos que atravesamos, la transgresión, provocaciones, etc. hacen que nuestra arte tome una completa libertad aunque para el tradicionalismo sea una aberración por la falta de estética. Sin embargo no con esto queremos decir que el artista no logra su finalidad que es la de expresar sus emociones para que por medio de la forma que utilizó para mostrar sus inquietudes lleguen al receptor.

Tal es el caso del artista polémico Carlos Amorales que es conocido por sus obras atrevidas en ellas se encuentra la animación de video, pintura, dibujo, escultura y performance, este artista es de origen mexicano y comenzó su carrera durante los años noventas con una obra sobre una personalidad ficticia como un doble de su propia identidad pública. En 1996 – 2003 represento la lucha popular del bien contra el mal. Sus representaciones utiliza, aves, arañas, arboles, objetos de la naturaleza y se repiten una y otra vez como sucede en las esculturas de aluminio fundido en incorruptibles de 2010, que se siente un gran desconcierto al observarlas y también una sensación de desesperación sentimientos típicos de nuestra época.

Durante el recorrido dentro del museo que expone su trabajo se fueron sintiendo emociones que quizá el artista eso trataba de hacer sentir, en la primera exposición son treinta y cuatro enunciados para reordenar, donde son frases incompletas que dan una idea pero no se puede apreciar porque faltan letras que le complementen, sus obras parecen interesantes una muestra de lo que vivimos el mostrar por medio de sus obras las inconformidades y cuestiones horrorosas que suceden y sin embargo no las vemos como la película transmitida en Useless Wonder (2006) donde muestra un hombre desagarrado por aves, así podríamos decir que las formas de nuestra actualidad sucede, el hombre se ha dedicado a desgarrarse entre sí para sobrevivir no importa si lo hiciéramos como sucede en la película.

En su mural denominado el estudio por la ventana (2010) es una muestra clara de su tipo de arte, partes humanas, partes de arboles, aves, arañas, lobos, el trabajo con grafito que es uno en escala de grises típicos de su trabajo da una sensación de desesperación y aberración donde el mundo quizá esté representado por el cuarto y lo demás lo que está sucediendo con nuestro entorno pero las sensaciones al apreciarlo son contrastantes. En el ave fragmentada de Dark Mirror Sculpture, da la sensación de que es algo sin sentido que es un ser vivo que fue desfragmentado es como si el águila representara alguien muy poderoso que también es libre y que a la vez débil porque este fue desmembrado, quizá represente no a una persona quizá a un movimiento social, como lo mencionan el capitalismo.

Dentro de sus primeros trabajos se destaca a la obra fílmica de los luchadores mexicanos enmascarados del espectáculo donde muestra una parte de nuestra cultura a nivel nacional, ya que aparte de ser tradicional muestra escenas que enseñanza como es este complicado deporte y que tan representativo e importante es para nuestra cultura. Actualmente este deporte no es exclusivo de nuestra nación ya lo han adoptado otras culturas y es muy interesante ver en qué forma lo han hecho. Amorales Interim, Conversación con Ray Rosas, Arena Dos de Mayo, (1997), por último en el recorrido realizado en el museo amparo de la exposición de este artista se puede apreciar un cuarto con más de mariposas recortadas en color negro esparcidas por toda la habitación Black Cloud (2008), donde son parte delicada ya que no se permite el acceso a esta y una vez más muestra su inclinación por el arte contemporáneo y caracteriza a su obra con uno de los colores que le gusta trabajar el negro, en lo personal quizá sea un artista mas de esta etapa del arte pero sus obras dejan gran impacto porque despierta sensaciones que no se sienten en otro tipo de arte al que estamos acostumbrados, convirtiéndose en un digno representante de nuestro país.

LOS CARTELES PUBLICITARIOS

Tomando en cuenta que los carteles son materiales gráficos que transmiten mensajes, el cual se encuentra integrado por imágenes y textos breves, que la finalidad principal es atraer la atención para percibir el mensaje.

Los carteles se pueden poner en cualquier lugar ya que la finalidad es transmitir el mensaje. Son un atractivo visual y su eficiencia para comunicar mensajes hace que ocupe un lugar importante en los medios de comunicación.

Existen dos tipos de carteles informativos y formativos, el primero es el que está planeado para comunicar cualquier tipo de evento, curso, reuniones sociales, espectáculos, etcétera. Este tipo de cartel puede presentar solo texto y se recomienda utilizar letras grandes y con un fondo de color contrastante, deberán de tener la información más indispensable. También pueden presentar texto e imagen y puede estar hecha a base de tipografiad de sujetos, objetos o formas que acompañan a los textos cortos.

El otro tipo de cartel se utiliza como un medio de propiciar el establecimiento de hábitos de higiene, salud, limpieza, seguridad, actividad, esfuerzo, concientización, etcétera. Aquí la imagen tiene preponderancia sobre el texto el mensaje grafico debe ser claro y solo como apoyo y expresar una frase que puede hacer énfasis en la idea sugerida.

Las características del cartel debe ser:

• Debe estar diseñado de tal manera que todos sus elementos puedan integrarse armónicamente y estéticamente, para facilitar el aprendizaje y manejo de esos elementos.
• El cartel debe llamar la atención espontáneamente.
• La imagen debe ser una síntesis del mensaje, además de que pueden ser fotografías o dibujada.
• El texto debe ser concreta para reforzar la imagen, puede existir en el encabezado y el pie.
• Los colores deben ser pocos y planos, sin matices con la utilización de fondos contrastantes y claros.
• El tamaño del cartel deberá considerarse de acuerdo al espacio donde se encuentre planeado exhibirse. Pero el más común es de 70 X 100; 50 X 70 y de 35 X 50 cm.
• Y por último el tipo de formato puede ser vertical u horizontal.

LOS ISOTIPOS

Este es uno de los tipos de logos que se utilizan como imagen figurativa para transmitir los mensajes a los consumidores. La ventaja del isotipo es que al igual que el logo de la empresa es fácil de recordar, tenemos la facilidad de recordar más fácilmente ya que sicológicamente eso es muy posible, ya que éste se compone de una imagen más que de palabras.

La palabra Isotopo hace referencia a lo que es “igual al tipo” además de que es una estructura simbólica abstracta, ya que va a ser conformada por diversas formas geométricas, siendo estas las que llamen la atención. Un ejemplo claro es lo que se dio con la reconocida marca de cigarrillos MALVORO. El cual muestra las siguientes características:


• El isotipo es el escudo Philip Morris, coronado, con dos corceles a sus costados.

• El logotipo es la palabra escrita Marlboro, con su tipografía, color e interletraje original.

• La figura trapezoidal roja, es una aplicación de diseño que se desprende de las figuras geométricas predominantes.

• El tamaño y ubicación de cada elemento corresponde a las normas de Ubicación Espacial.


Las desventajas de este elemento es que: no sean específicos como sucede con la imagen figurativa, también de que hay un logotipo auxiliar. Al utilizar un isotipo la empresa se baña de una esencia de universalidad. Al igual que la música y las matemáticas, las imágenes figurativas destruyen las berrares de los idiomas y le dan a la empresa un aire de mundialización y de amplios horizontes.

SEGUNDO REPORTE

EL DISCURSO DE LOS FUNDADORES

Realizaron una práctica ideológica sistemática y permanente que fue tejiendo los atributos, valores y relaciones básicas que luego constituiría la ideología histórica del diseño. Esta forma ideológica, resultó de la confluencia del proceso múltiple, pero coherentes en el fondo, y acumuló atributos como los siguientes: racionalismo, humanismo, universalismo, utopismo, idealismo, voluntarismo, moralismo, mecanismo, biologismo, ergonomismo o fisiologismo, progresismo, modernismo, profesionalismo, elitismo, vanguardismo, paternalismo, verticalismo, tecnocratismo…

El discurso de los fundadores se inscribe en el paradigma de las vanguardias redentoristas que elaboran un proyecto alternativo sin “consulta a las bases”. Proyecto creativo, que diagnostica la obsolencia del paradigma cultural vigente y propone, contundentemente, una revolución cultural que ejecute el mundo de lo simbólico a la realidad técnica y social.

El epicentro del diseño, estaba en la arquitectura y los productos para el hábitat. El diseño estaba vinculado con cierta producción industrial o semiartesanal, y su ideología se manifestaba, en cuatro variantes:

• El discurso funcionalista, apoyado en la idealización de la relación usuario-objetivo, y en la primacía de lo ergonómico.
• El discurso tecnicista, variante racionalista apoyado en la relación producto-proceso de producción y en la primacía de la lógica tecnológica: los materiales y las tecnologías tenían una lógica perfecta, entendiéndola y plasmándola, se producía buena arquitectura.
• El discurso economista, que se apoyaba en la relación producto – coste mínimo. Decía que buena arquitectura y coste mínimo iban indisolublemente asociados.
• El discurso abstraccionista, la relación forma sentido en aquello: “más es menos”.

En este contexto ideológico perdura en formas un poco maltrechas, no solo sigue vivo sino que es el único posible; para ciertas problemáticas posee una eficacia técnica incontestable y en ciertos campos de la producción, sigue siendo racionalista. Las hipótesis que estaban lanzando la lingüística y la semiología habrían demostrado las ingenuidades de los proyectos ideológicos del racionalismo; “la forma siguiente a la función” o “lo útil es bello” son la quintaesencia de aquella ingenuidad. Una relación absolutamente mística era la que imaginariamente entablábamos los diseñadores con los usuarios.

“Usuarios” era una especie de ser supremo, mucho más respetado de lo que el usuario hubiera esperado, el “usuario” real jamás supo que era usuario nuestro, debíamos tener en cuenta más que nada las necesidades objetivas del usuario y que debíamos diseñar en función de ello y no en función de otro tipo de pulsión o exigencia. Por supuesto eran las que imaginábamos a partir de un modelo a imagen y semejanza de nuestra propia utopía de sector intelectual. Era nuestro usuario un ente anatómico y fisiológico cargado de necesidades prácticas, privado de historia y predilecciones culturales socialmente adquiridas. No coincidía con ningún sector concreto de la población. Si algo hizo el racionalismo con la mayoría de sus usuarios fue satisfacer necesidades que no tenían y privarlos de gustos que consideraban vitales, le inventábamos al usuario un hábitat “perfecto” obviando las condiciones económicas y políticas de la producción real de la vivienda. Proyectábamos en un país también imaginario. Practicábamos una utopía.

P.P.17 - 22

PRIMER REPORTE DE LECTURA

DISEÑO, MERCADO Y UTOPíA.
DE INSTRUMENTO DE TRANSFORMACIóN SOCIAL A MEDIO DE DINAMIZACIóN ECONóMICA.

La contradicción entre una forma de conciencia social y una praxis laboral concreta dentro del diseño también se ha manifestado de uno u otro modo dicho conflicto. Dentro del discurso no se propone narrar la trayectoria ideológica de la disciplina si no contrastar los dos polos de su historia.

En la actualidad en el mundo del diseño, se observa una caída en el desarrollo de los trabajos relacionados con la conciencia práctica de éste, ha ido cambiando y la conciencia profesional pareciera reducir estas transformaciones.

El primero es el estadio de emergencia cultural e ideológica de la disciplina, el diseño parece como un cuestionamiento no sólo de las ideologías que acompañaban las prácticas de la cultura, si no de las técnicas y procesos por los cuales la cultura era producida.

El diseño nace, conscientemente o inconcientemente como la cultura de la industria, no se limitaba a aspectos estrictamente productivos, técnicos o estéticos, nace con una voluntad de transformación social. Si se compara el pasado diseño con el presente simplemente será diferente la único en común es un objeto empírico. Su finalidad es describir y hacer verosímiles las relaciones que justifican y legitiman un tipo de práctica social o de orden social en su conjunto. Su función no es desentrañar las estructuras socioeconómicas si no universalizar sus evidencias particulares, además de que posee la capacidad de autoreproducción permanente.

Otro atributo clave de la ideología es su carácter productivo, ésta caracterización esquemática de la ideología nos servirá para acercarnos a los discursos del diseño aquellos contenidos han sido asimilados socialmente y han funcionado o funcionan como interpretación legítimamente de la relación entre el diseño y la sociedad.

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DISEÑO DE EMBALAJE Y ENVASADO

El diseño de embalaje y envasado es otra forma hacer un trabajo de diseño, de manera creativa para las demás personas y brindar la información necesaria para que se comprenda la importancia, la función comunicativa y beneficios comerciales del producto y estos logros solo los puede alcanzar un profesional que brindará una alternativa.

La imagen del producto es muy importante para que éste se venda ya que la calidad del producto no es garantía porque es solo uno de los elementos, es indispensable utilizar una calidad de imagen atrapante, con diferentes estímulos visuales, porque debe de ser lo más original posible para que permita al consumidor lo elija. Además de que las etiquetas de los productos son piezas fundamentales de la entidad corporativa de una compañía y la tarjeta de presentación.

La etiqueta tiene que mostrar la información necesaria para presentar el producto, debe ser concisa y gráficamente de alto impacto visual para que sea fácilmente reconocida y recordable. La función fundamental que debe tener es que de forma inmediata el consumido sin leer el contenido debe darse una idea previa del producto. El diseñador tiene que estar consciente de todas las necesidades de la compañía, del producto y las características del cliente promedio para prever cómo puede reaccionar ante ciertos colores, formas y composiciones gráficas.

Para hacer una buena etiqueta hay que:

1. 
   
   
   Tomar en cuenta todo lo que la presa quiere, representar adecuadamente el producto de forma cabal y responder a las necesidades del producto.


2. 
   
   
   Transmitir la esencia del producto y llamar la atención del cliente.


3. 
   
   
   Preguntarse qué idea maneja la etiqueta, qué concepto se quiere transmitir y cómo se puede transmitir.


4. 
   
   
   Tomar en cuenta el producto y los clientes


5. 
   
   
   Considerar otras cosas como el clima (sentimientos y sensaciones) que se puede transmitir a través de la etiqueta


6. 
   
   
   Debe ser impactante, fascínate y seductora para consumirle.


7. 
   
   
   La etiqueta debe permitir la diferencia con otros productos similares de la competencia.


8. 
   
   
   Hay que incorporar la información necesaria sobre el producto en cuestión legal, así como los datos de la empresa en el mismo rubro.


9. 
   
   
   Para potenciar el diseño de una etiqueta y su realización es importante que el diseñador se actualice constantemente para que pueda realizar un mejor trabajo.

Es importante tener en cuenta que la función primera de una etiqueta es comunicar rápidamente la esencia del producto. Pero se puede jugar con la forma, la ubicación, el contenido de la etiqueta en el envase y su material, todo esto determinará casi todo lo referente a ésta. Una etiqueta tiene funciones específicas, como por ejemplo, detallar marca, contenido, peso, ingredientes, precio, código de barras, etc. Pero una etiqueta es más que eso, es una herramienta comercial.